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Música
La avalancha de música que predominó en la década de los setentas tuvo importante cosecha en 1973, un año lleno de grandes discos que dejaron huella en el panorama musical internacional. Esta semana vamos a deleitarnos recordando álbumes que sí o sí deben formar parte de nuestras queridas colecciones.
FREE – ‘HEARTBREAKER’
Lanzado el 2 de enero
Este sexto álbum de estudio del cuarteto británico conformado por Paul Rodgers (voz, guitarra, piano), Simon Kirke (batería, coros), Tetsu Yamauchi (bajo) y John Bundrick (piano, coros), fue el último de su carrera y fue producido por el prestigioso Andy Jones (Rolling Stones, Led Zeppelin). Tras el rompimiento con el bajista Andy Fraser y el distanciamiento con el guitarrista Paul Kossof (que de todas maneras toca en 5 temas de este disco), la banda trató de reagruparse con dos nuevos integrantes, pero la fórmula no cuadró lo necesario. Lo paradójico es que, pese a las disputas creativas entre Rodgers y Bunfrick, se complementaban muy bien musicalmente, por lo que este disco puede satisfacer el gusto de los amantes del rock blues. Lo mejor está en temas como “Wishing well” (que encantó a Ritchie Blackmore de Deep Purple), “Come together in the Morning”, “Travelin’ in style”, “Muddy Waters”, “Easy on my Soul” y “Heartbreaker”. Pese a llegar al puesto 9 en las listas británicas y 47 en el top 100 de Billboard, este fue el epitafio de la banda pues tras la desastrosa gira, Rodger y Kirke se marcharon para dar vida a “Bad Company”.
AEROSMITH – ‘AEROSMITH’
Lanzado el 5 de enero
Tras firmar contrato con Columbia el 21 de julio de 1972, Steven Tyler (voz), Joe Perry (guitarra líder), Brad Withford (guitarra), Tom Hamilton (bajo) y Joe Kramer (batería) se encerraron casi todo el mes de octubre en los estudios Intermedia de Boston, bajo la producción de Adrian Baber (Cream, Allman Brothers), trabajo que no dejó satisfechos a los músicos. Las influencias bluseras son evidentes en el contenido que toma el hard rock como columna vertebral, pese a no ser precisamente innovador, las canciones tiene su encanto: “Mama Kin” con su penetrante riff, “Make it” con su hard rock matizado por la voz cruda de Steven Tyler, el rock and roll blues “Write me a Letter” (y su rica armónica), el rocanrolito “Somebody” para dar paso a la gema del disco “Dream On” con sus arpegios y pianos hasta llegar al pináculo vocal del cantante que desafía el sentido común. Mención aparte merece su efectiva versión de “Walking the Dog” de Ruffus Thomas. Con claras influencias de Led Zeppelin y los Rolling Stones, este disco es un claro referente del hard rock.
PROCOL HARUM – ‘GRAND HOTEL’
Lanzado el 20 de marzo
Este sexto álbum de estudio del super grupo de rock progresivo originario de Essex, Reino Unido, evidenció un cambio en la dirección musical hacía el rock sinfónico, reclutando al guitarrista Mick Graham, quien se unió al líder Gary Brooker (voz, piano), Chris Copping (órgano), Alan Cartwright (bajo) y B.J. Wilson (batería), para grabar en los estudios AIR de Londres bajo la producción de Chris Thomas (Beatles, Pink Floyd). Si bien en su anterior disco en vivo contaron con el respaldo de la Edmonton Symphony Orchestra, en este álbum también hay orquestaciones, pero sin acreditar. La calidad en el sonido y ejecuciones es palpable, sobresaliendo los temas “”Bringing Home the Bacon” con aire barroco y acompañamiento de The Pahene Recorder Ensamble, “T.V. Cesar” con sección de cuerdas y coros, la country folk “Souvenir in London”, “A Rum tale” con combinación de pianos y órgano, “Toujours L’amour” con efectivo solo de Grabham, “Grand Hotel” con intro de piano, luego la incorporación de la batería y el resto de los instrumentos y “Fires (Witch burnt brightly)”, donde Gary Brooker canta a dúo con Christiane Legrand. Mención aparte merecen las líricas, perfectamente estructuradas en cada tema, demostrando que Gary Brooker es uno de los escritores del rock, más infravalorados de la historia.
ROXY MUSIC – ‘FOR YOUR PLEASURE’
Lanzado el 23 de marzo
¿El nacimiento del Art Rock? Eso aseguraron en su momento algunos críticos que así designaron esta evidente evolución del Glam Rock que Roxy Music presentó en su debut de 1972. Brian Ferry (voz, teclados), Brian Eno (sintetizadores), Andy Mackay (saxofón, oboe), Phil Manzanera (guitarra), Paul Thompson (batería) y John Porter (bajo) crearon este trabajo vanguardista que en temas oscuros y fascinantes como “In every dream home a Heartache” y “The Bogus Man” tienen su mejor tarjeta de presentación, aunque también hay cosas más accesibles como “Do the Strand”, “Editions of You” e incluso declaraciones de amor a la música de los 50s en “Beauty Queen” y “Grey Lagoons”. Sin duda consolidaron su original sonido, esculpiendo una personalidad única con base a las aportaciones musicales de cada uno de sus integrantes. Mckay con el saxo y Manzanera con la guitarra despliegan atractivos solos que, aunados a los sonidos futuristas de los sintetizadores de Eno, complementaban la voz de crooner de Ferry, totalmente metido en su rol de intérprete. Fue el último disco en contar con la participación del gran Brian Eno, por lo mismo es considerado uno de sus trabajos más especiales ¿o debo decir espaciales?
THE EAGLES – ‘DESPERADO’
Lanzado el 17 de abril
Esta colección de temas del segundo álbum de las Águilas pudo servir perfectamente como banda sonora de cualquier película de vaqueros, no solo porque los integrantes aparecen en la portada vestidos de cowboys, sino porque literalmente las canciones están basadas en temas del Viejo Oeste norteamericano. En aquellos años Eagles era un cuarteto integrado por Glenn Frey (voz, guitarra, armónica y teclados), Don Henley (voz, batería y guitarras), Bernie Leadon (guitarra, voz, banjo, mandolina, dobro) y Randy Meisner (voz, bajo), quienes trabajaron a principios de 1973 en los Island Studios de Londres, bajo la producción del genial Glyn Jones (Led Zeppelin, Beatles, The Kinks). ¿Son los Eagles precursores del country rock? Sin duda, junto a otros grandes exponentes como The Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd y Black Oak Arkansas, solo por mencionar algunos, algo que es evidente escuchando canciones como “Doolin-Dalton”, “Twenty-One” y su potente versión de “Outlaw Man”, original de David Blue. Las canciones que logran el calificativo de clásicas de su repertorio son “Tequila Sunrise” y “Desperado”, que destilan honestidad a raudales, evidenciando que los cuatro músicos entregaron cuerpo y alma en cada composición, poniendo como sello distintivo sus fabulosas armonías vocales, de las mejores en la historia del rock y también del country.
GRAND FUNK – ‘WE’RE AN AMERICAN BAND’
Lanzado el 2 de junio
Considerada la obra maestra de esta emblemática banda norteamericana, este séptimo disco de estudio fue grabado del 12 al 15 de junio de 1973 en los estudios Criteria de Miami con Todd Rundgren. Al trío originario de Flint, Michigan: Mark Farner (guitarra, voz), Don Brewer (batería, voz) y Mel Schacher (bajo), se sumó el tecladista Craig Frost (órgano, piano), precisamente para la grabación de este disco ya como miembro oficial, pues había participado en el anterior (Fenix de 1972), como invitado. La colección es soberbia, ocho canciones super efectivas sin ningún desperdicio, desde la inicial “We’re an American Band” con una batería estruendosa y sólido solo de guitarra, la rítmica “Stop Lookin’ Back”, “Creeping” con sus reverberantes teclados, “Black Licorice” con su llamativa sección rítmica y efectivo solo de órgano, “The Railroad” donde luce nuevamente el órgano y la compacta base rítmica, “Ain´t Got nobody” con el bajeo progresivo de Mel, “Walk like a Man” sobre vivir a plenitud a pesar de la edad y “Loneliest Rider” que es una protesta contra el maltrato a los indígenas por parte del hombre blanco. Discazo que alcanzó el puesto 2 en la lista de Billboard y contó con generosas reseñas de la prensa especializada.
CHICAGO – ‘CHICAGO VI’
Lanzado el 25 de junio
Quinto álbum de estudio de esta legendaria banda norteamericana formada en Illinois en 1967, con Peter Cetera (bajo, voz, armónica), Terry Kath (guitarra, voz, coros), Robert Lamm (piano, órgano, sintetizador, voz), Lee Loughnane (trompeta, coros, percusiones), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxofón, flauta) y Danny Seraphine (batería). Tras seis años de trayectoria, es notable en este disco la compenetración lograda por estos músicos que consiguieron alcanzar la cima, con una consistente colección de 10 temas bajo el sello Columbia Records. En la propuesta musical encontramos rock, rock pop, influencia del jazz, sensibilidad pop rock, una fórmula que incluye una sección de tres vientos, base rítmica con bajo y batería, piano, guitarra y voz solista con tres partes armónicas.
Sobresalen las canciones “Critic’s Choice” sencilla pieza vocal acompañada de piano; la increíble balada “Just you n’me”, de James Pankow, con sobresaliente voz de Peter Cetera, solo de saxo, wah wah de Terry Kath y piano eléctrico por parte de Lamm; precisamente este canta “Darlin’ Dear” un rock blues con pegajoso solo de Kath. También son dignas “Jenny”, cantada con gran feeling por Terry, la funk “What this world’s comin’ to” que es cantada por Kath, Cetera y Lamm, y “Rediscovery” con sublime solo de guitarra con Wah-wah. El álbum tuvo un gran impacto, alcanzado el puesto número 1 en los Estados Unidos, donde fue certificado primero Disco de Oro y posteriormente llegó a ser Doble Platino.
ERIC CLAPTON – ‘ERIC CLAPTON’S RAINBOW CONCERT’
Lanzado el 10 de septiembre
Clapton estuvo dos años luchando para sobreponerse de su adicción a la heroína, la cocaína y el alcohol, cuando fue convencido por su amigo Pete Townsend, guitarrista de The Who, para retornar por todo lo alto con esta presentación en el famoso teatro Rainbow de Londres. Participaron varias estrellas como Ronnie Wood (Faces-Rolling Stones), Jim Capaldi (Traffic), Steve Winwood (Traffic-Spencer Davis Group, Blind Faith), Ric Grech (Family-Traffic-Blind Faith) y el propio Townsed. Pese a que Eric no estaba en plenitud de forma y de que tuvieron poco tiempo para ensayar consiguieron registrar un concierto memorable que incluyó varios clásicos como “Layla” (Derek and the Dominoes), “Badge” (Cream), “Presence of the Lord” (Blind Faith), “Pearly Queen” (Traffic), “After Midnight” (original de J.J. Cale, del debut discográfico de Clapton de 1970) y “Little Wing” (Jimi Hendrix). Mucho sentimiento y virtuosismo fusionados generaron un momento mágico de excelente rock y blues en este “Eric Clapton’s Rainbow Concert”, convirtiéndolo en uno de los mejores discos en vivo de la historia. Recomendamos también escuchar la versión remasterizada de 1991 que contiene 7 temas adicionales.
LOU REED – ‘BERLIN’
Lanzado el 5 de octubre
Tercer disco solista de Lou Reed (The Velvet Underground), quien desde el inicio de la concepción de esta idea quiso grabar el disco más depresivo posible, sin temor a que terminara siendo un trabajo incomprendido. Respaldado por una increíble constelación de estrellas como el guitarrista Steve Hunter (Alice Cooper), Jack Bruce (bajista de Cream), el experimentado baterista Aynley Dunbar (Jeff Beck-Frank Zappa), Steve Winwood (tecladista y cantante de The Spencer Davis Group y Blind Faith), Tony Levin (bajista de King Crimson), B.J. Wilson (baterista de Procol Harum), todo bajo la producción de Bob Ezrin, quien también aporta piano, mellotrón y guitarras. Los temas incluidos despliegan la mítica del rock a través de un viaje sonoro realmente interesante en el que la lírica presenta un trabajo conceptual en el que una pareja de drogadictos (el gringo Jim y la prostituta alemana Caroline) intentan sobreponerse a sus adicciones mientras enfrentan una tortuosa relación (maltrato cotidiano, su desesperación e inminente caída). Si aún nos has tenido la oportunidad de escucharlo, te recomendamos hacerlo: estamos hablando de uno de los mejores trabajos discográficos de los setentas, ya que aquí no existe un final feliz. Material de naturaleza angustiosa que seguramente te hará pensar y sorprenderte, ya que fue grabado muchos años antes de que Nirvana pusiera de moda la onda depresiva.
THE KINKS – ‘PRESERVATION ACT I’
Lanzado el 16 de noviembre
Expertos en crear álbumes de culto, The Kinks se cansaron de grabar obras fabulosas, divertidas, musicalmente interesantes, que no lograron la repercusión de otros con menor talento. Me resulta increíble que esta macro obra conceptual no aparezca en ninguna recopilación de los mejores discos de 1973; allá ellos, porque en este disco el grupo se convierte en una compañía musical de teatro que interpreta en vivo una adaptación de The Village Green Preservation Society. Ray Davies (voz, guitarra, armónica), Dave Davies (guitarra, voz), John Dalton (bajo), Mick Avory (batería) y John Gosling (teclados), incorporaron sección de vientos y también a Krysia Kocjan, Lee Pavey, Lewis Rich, Pamela Travis y Sue Brown como cantantes invitados. Ray se separó de su esposa Rasa Dicpetri y en depresión abusó de las pastillas y abuso de drogas, hasta que colapsó en pleno concierto y fue internado en julio de 1973. Recuperado (o aparentemente recuperado) Ray pudo unirse de nuevo para terminar el proyecto, y resultó un estrepitoso fracaso comercial que no ingresó a las 100 grandes del año de la lista de Billboard (puesto 177). ¿Exceso de vodevil? ¿abuso de teatro musical? La verdad es que a su salida contó con buenas críticas y considero que preserva calidad, haciendo disfrutar a sus escuchas. Lo mejor está en las canciones como la melancólica “Sitting in the middle Sun”, el rock directo de “One for the Survivors” y la increíble “Sweet Lady Genevieve.
YES – ‘TALES FROM TOPOGRAPHIC OCEANS’
Lanzado el 7 de diciembre
Grabado entre agosto y octubre de 1973, esta sexta placa de estudio de la banda británica de rock progresivo representó un salto en su trayectoria al presentar un álbum doble con un tema por cada cara de los vinilos, tres de ellos superando los 20 minutos de duración y uno más con 18 minutos y 32 segundos. Participaron Jon Anderson (voz), Steve Howe (guitarras), Chris Squiere (teclados), Rick Wakeman (teclados) y Alan White (batería, quien ya había tocado varios tracks en el anterior disco en vivo “Yessongs”, lanzado en mayo de ese mismo año. Los líderes del proyecto fueron Howe y Anderson, para crear las estructuras musicales y las letras, basadas en su mayoría en la autobiografía del Yogui de Paramahansa Yogananda que trataba sobre temas budistas, de hecho son autores de conjuntos de 2 de los 4 temas: “The Revealing Science of God (Dance of the Dawn)” y “Ritual (Nous Sommes du Soleil)”, en “The Remembering (High the Memory)” también colaboraron Wakeman, White y Squire, mientras que en “The Ancient (Giants Under the Sun”)” firman Howe, Anderson y Squire. ¿Estamos ante una obra cumbre? Sin duda, pero eso sí: requiere de paciencia, atención y, sobre todo, comprensión de la lírica, por lo que se recomienda traducir las letras, pues eso permite disfrutar más a fondo la experiencia.
DEEP PURPLE – ‘MARK I & II”
Lanzado el 10 de diciembre
Lo hemos afirmado antes: Deep Purple, junto a Black Sabbath, Led Zeppelin y Uriah Heep es una de esas 4 columnas sobre las cuales se construyó lo mejor del hard rock y rock progresivo, por eso tener un recopilatorio que une varias de las mejores canciones de la alineación original (con Rod Evans en voz y el bajista Nick Simper) y el fabuloso Mark II: Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería), Ian Gillan (voz) y Roger Glover (bajo) es un agasajo total. Este lanzamiento del sello alemán Electrola, subsidiaría de la británica EMI, incluyó dos discos de vinilo, el primero con ocho rolas del Mark I: “Hush”, “Mandrake Root”, “Why din’t Rosemary”, “Hey Joe”, “Wring that Neck”, “Emmaretta”, “Help!” (Cover de los Beatles) y “Chasing Shadows”. En el segundo están ocho correspondientes al Mark II: “Black Night”, “Speed King”, “Strange Kind of Woman”, “Into The Fire”, “When a Blind Man Cries”, “Smoke on the Water”, “Woman from Tokyo” y “Highway Star”. Un álbum perfecto para comenzar a adentrarse en la obra inmortal de una banda imprescindible del rock mundial, con una música atemporal que continúa satisfaciendo el paladar más exigente.
RICARDO PAT
