Las Joyas del Rock -1997

By on mayo 3, 2024

Música

En febrero de 1997, Larry Eugene Phillips y Emil Matasareanu, al asaltar una sucursal del Bank of America en North Hollywood armados hasta los dientes, fallecieron en el tiroteo, cambiando para siempre las estrategias de la policía. En contraparte, en San Sebastián, España, miles de manifestantes piden el final de la violencia de ETA.

1997 fue un año muy loco. En marzo, 39 integrantes de la secta Heaven’s Gate se suicidaron; pretendían así llegar a una nave espacial cercana al cometa Hale-Bopp; el Reino Unido devuelve el control de Hong Kong a China tras 155 años de colonialismo; Soda Stereo se despidió de sus fans en Buenos Aires con un concierto que reunió a 65 mil personas en el estadio River Plate.

Fue un año de grandes obras musicales, hubo mucho y muy bueno, materiales atemporales que vale la pena recordar y paladear.

 ‘CITY’ – STRAPPING YOUNG LAD

Lanzado el 11 de febrero

Devin Townsend se convirtió por derecho propio en un músico sui generis, un personaje tan desbordante para desarrollar ideas que, desde su participación en el álbum “Sex & Religion” (1993) de Steve Vai, no se ha cansado de lanzar nuevos materiales. Strappiong Young Lad, banda de metal extremo fue su primer proyecto post Vai y este su segunda placa de estudio fue editada vía Century Media. Devin compartió las funciones de productor con Daniel Bergstrand, quien en su palmarés incluye a In Flames, Meshuggah y Dimmu Borgir. De entrada, este es un disco de caña pura, intenso, aplastante, el más brutal de 1997 y de muchos años posteriores, merito de los implicados donde además de Devin Townsend (guitarras y voz), estuvieron Gene Hoglan (prolífico baterista de Testament), Jed Simon (guitarras) y Byron Stroud (bajo). Todas las piezas son demoledoras, descargas de pasión y tralla, con influencias industriales, del clásico thrash metal y distorsiones futuristas. El menú es acojonante, “All Hail the flesh” (temazo), “Oh my fucking God” (crudo y directo), “Detox” (con una increíble sección intermedia, momentos oscuros y apocalípticos), “Underneath the Waves” (thrash complejo que crece en intensidad con destacadas mutaciones vocales) y “Spirituality” (el más extenso del disco y la más diversa). Desconocido por la mayoría, este es un discazo, de los más logrados del metal moderno, que te atrapa desde el inicio hasta colarte la cabeza, el mismo Townsend considera a este el álbum definitivo de la banda.

‘FACING THE ANIMAL’ – YNGWIE MALMSTEEN

Lanzado el 23 de febrero

Para la elaboración de este décimo álbum de estudio Yngwie Malmsteen (guitarra, bajo en 4 temas, coros, arreglos y productor), contó con el gran baterista Cozy Powell (quien fallecería an abril de 1998), además del vocalista Mats Levén (todo un descubrimiento), el tecladista Mats Olausson y el bajista Barry Dunaway. Un punto a favor fue que el prestigioso Chris Tsangarides “El griego loco”, colaboró en la producción y fue además ingeniero y encargado de la mezcla. La propuesta musical prácticamente es la misma desde la época de “Marching Out” (1985), con algunos cambios, como los riffs minimalistas y un poco groove en “Enemy” y “Facing the Animal”, mientras que en “Like an Angel”, “Sacrifice” y “Alone in Paradise” las guitarras son melódicas y sumamente pegadizas que invitan a tararear, mientras que canciones más rápidas son “Braveheart” y “Poison in your veins”. También destacan la roquera “Another Time” que cuenta con un estribillo muy contagioso, así como la instrumental “Air on a Theme”, con evidente inspiración barroca. Si bien en Estados Unidos y el Reino Unido tuvo una discreta recepción, el disco vendió cien mil copias en Japón y logró posicionarse en el puesto 39 de la lista de éxitos de Suecia y en el 20 en Finlandia.

‘POP’ – U2

Lanzado el 3 de marzo

Tras ganar el Grammy al mejor álbum de rock alternativo y generar ventas de siete millones de copias con “Zooropa” (1993), el cuarteto integrado por Bono (voz), The Edge (guitarra), Adam Clayton y Larry Mullen Jr. lanzó una colección de remixes, creando el proyecto Passenger, junto a Brian Eno, por lo que fue hasta finales de 1995 que decidieron continuar su reinvención musical, incorporando para este su noveno álbum de estudio influencias de rock alternativo, tecnho, dance y música electrónica. Esta arriesgada apuesta requirió la labor de 3 distintos productores: Flood, Howie B y Steve Osborne, con quienes los músicos irlandeses trabajaron codo a codo incorporando elementos que hasta entonces les eran ajenos, como loops, baterías programadas, secuencias y samplings. “Discoteque” fue el primer single dejó clara su orientación siendo un acercamiento al dance rock psicodélico. Sobresalieron los temas “Do you feel loved” (rítmicamente potente y una efectiva guitarra wah wah), “Mofo” (La más techno del disco, con la susurrante voz de Bono), “If God will send his ángel” (balada donde sobresale la guitarra de The Edge), “Staring at the Sun” (la pieza más fiel al sonido clásico de la banda), “Last night on Earth” (con un bajo distorsionado de inspiración funk) y la sensual “The Playboy Mansion”. En su momento recibió críticas divididas, pero debe admitirse que sigue sonando aventurado y, por lo tanto, vigente.

‘THE MORE THINGS CHANGE’ – MACHINE HEAD

Lanzado el 25 de marzo

Esta segunda placa de estudio de la banda norteamericana de metal fue la última en contar con los servicios del guitarrista Logan Mader y el primero con el baterista Dave McClain.  Junto a ellos, Rob Flynn (guitarra y voz) y Adam Duce (bajo), trabajaron con el productor Collin Richardson (Carcass-Fear Factory-Napalm Death), en los estudios The Plant (de Sausalito) y Hide Street Studios de San Francisco. Armar el disco fue un proceso complicado, de hecho, requirió de tres remezclas antes de dejar satisfechos a los músicos, varias pistas fueron borradas por error, y el baterista Dave McClain sufrió un accidente que lo mantuvo inactivo por meses. Las piezas más celebradas fueron “Ten Ton Hammer”, “Take my scars” y “Struck a nerve”, que se integraron de inmediato a la correspondiente gira. “The Frontlines” fue creada dos años antes, siendo el baterista Chris Kontos (quien aún estaba en la banda), quien sugirió el título. El álbum tuvo mayor aceptación en Europa donde alcanzó el puesto 20, mientras que en Estados Unidos solo logró llegar a la posición 136, vendiendo 10 mil copias tras su lanzamiento. Debieron pasar varios años para que lograr la cifra de 115 mil copias vendidas, aunque desde su salida logró colocar medio millón de copias.

‘FLAMING PIE’ – PAUL McCARTNEY

Lanzado el 5 de mayo

El disco más Beatle de la carrera solista de Paul, no solo por haber sido grabado en los célebres Abbey Road Studios de Londres, por contar con la coproducción de Sir George Martin y la participación de su amigo Ringo Starr, sino porque es una obra cargada de nostalgia que captura parte de la magia musical de su ex banda. Linda estaba enferma de cáncer de mama desde 1995, su condición fue empeorando hasta su deceso en abril de 1998, pero antes pudo grabar coros en este disco, mientras su hijo James McCartney participó tocando la guitarra eléctrica, siendo así un álbum familiar, una declaración de amor a esa etapa que concluía, despertando la vena poética de Paul, que creó un clásico, quizá su último gran disco, con predominio de guitarras acústicas, la mayoría tocadas por él mismo, además de grabar arropado por el talentoso Jeff Lynne (Fan No. 1 de los Beatles), por Steve Miller, el director de orquesta Keith Pascoe y otros consumados músicos británicos que aportaron cuerdas e instrumentos de viento. De escucha obligada son “The Song we were singing”, “The World Tonight”, “Somedays”, “Calico Skyes”, “Young Boy”, “Flaming Pie”, “Heaven on a Sunday”, “Little Willow”, “Really Love you” y “Beautiful Night”, todas las piezas son excelentes, pero éstas más. Con este viaje sonoro, McCartney compartió no solo la tristeza, dolor y pena por la muerte de su amada Linda, sino también el amor, todo lo bueno que experimentó en su largo y sinuoso camino junto a ella. Para mí y mi amada, esta es una declaración de amor absoluta.

‘THE MICHAEL SCHENKER STORY LIVE’ – MICHAEL SCHENKER GROUP

Lanzado el 10 de mayo

En Japón, Schenker es cas un dios de la guitarra; en las universidades de rock de Tokio, los nuevos talentos nipones se gradúan interpretando composiciones suyas. Por eso, este concierto efectuado en marzo de 1997 en Nakano Sun Plaza de la capital japonesa es especial, pues captura el amor que por Michael sienten en este país, mientras interpreta lo mejor de su carrera. La calidad de este virtuoso alemán es suprema, su labor con la guitarra es impecable, ejecutando cada riff y cada solo idéntico a las versiones de estudio y en no pocas ocasiones, mejorándolos. Incluye dos temas de Scorpions “In Search of the peace of Mind” y “Another peace of meat”, nueve de UFO, incluyendo las clásicas “Doctor Doctor”, “Lights Out”, “Only you can rock me”, “Too Hot to handle” y “Love To Love”; tres de The McAuley Schenker Group: “Save yourself”, “No time for Losers” y “Never ending nightmare”; de Contraband está solamente “All the way from Memphis”, más 15 de The Michael Schenker Group, entre las que están: “Into the Arena”, “Are you ready to Rock”, “Assault Attack”, “Captain Nemo”, “Attack of the mad axeman” y “Armed and Ready”. Line up: Michael Schenker (guitarras), Leif Sundid (voz), Barry Sparks (bajo), Shane Gaalaas (batería), David Van Landing (percxusiones y coros), y Seth Berstein teclados y coros).

‘OK COMPUTER’ – RADIOHEAD

Lanzado el 21 de mayo

La obra cumbre del quinteto británico que despliega un sonido más roquero y americano que el predominante britpop de aquellos años. Guitarras post grunge mezcladas con teclados y sintetizadores son el sello distintivo en este trabajo experimental, de búsqueda que contó con una efectiva producción de Nigel Godrich (Paul McCartney-U2-REM). Lo mejor está en temas como la genial “Paranoid Android”, “Exit Music” y “No surprises”, aunque en realidad todas son obras que transmiten sensaciones, emociones, con una lírica que centra las historias en un mundo distópico y futurista, aborda temas como la frustración, críticas tanto a la sociedad antigua como a la moderna, la misma muerte, el consumismo, entre otros. Siendo un trabajo que se toma en serio todo, resultó acertado incluir un sutil sentido del humor. El disco fue número 1 en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos alcanzó la posición 21 en la lista de Billboard, con ventas de 2 millones de copias, siendo doble platino en Norteamérica y quíntuple disco de platino en Inglaterra.

‘ALBUM OF THE YEAR’ – FAITH NO MORE

Lanzado el 3 de junio

En este sexto álbum de estudio, el guitarrista Jon Hudson suplió a Trey Spruance, quien a su vez había reemplazado a Jim Martin. Participaron Mike Patton (voz), Billy Gould (bajo y productor), Rody Bottum (teclados) y Mike Bordin (batería), quienes trabajaron de finales de 1996 a principios de 1997 en los estudios Brilliant and Razor’s Edge de San Francisco. La propuesta no es tan extravagante como sus anteriores obras, contando con una evidente carga de sintetizadores, plagada de distorsiones pesadas y una tendencia progresiva que consiguió que disfrutáramos de canciones con el sello del grupo, pero con nuevas sonoridades, en las que sobresalen “Paths of Glory”, “Ashes to Ashes” (uno de los grandes himnos de FNM), “Collision” (la más pesada con riffs afilados), la adictiva “Stripsearch” (con excelentes arreglos de cuerdas en segundo plano, matices electrónicos y guitarras sobresalientes) y “Last cup of sorrow” (con la susurrante voz de Patton, entonaciones burlonas y tremendo estribillo). Si bien queda por debajo de la brillantez lograda por su anterior placa “King for a Day” (1995), no deja de ser un disco sumamente disfrutable, lo suficientemente digno para cerrar aquella primera etapa de una de las bandas más influyentes e importantes del rock alternativo.

‘GHETTO MACHINE’ – LOUDNESS

Lanzado el 7 de julio

El decimosegundo álbum de estudio de la mejor banda de heavy metal de Japón solamente conserva a Akira Takasaki (guitarra) como miembro original, pues el bajista Naoto Shibata, miembro de la banda ‘Anthem’ ocupó el lugar de Masayohsi Yamasita. El cantante de EZO, Masaki Yamada ya había suplido a Mike Vescera desde el disco “Loudness” de 1992, grabando también junto al baterista Hirotsugu Homma para el álbum “Heavy metal hippies”. Todos estos talentosos músicos desgranan una colección de 11 poderosos temas que dejan claro que lo de ellos es interpretar heavy metal sin concesiones, piezas poderosas, pesadas, interpretadas con la actitud necesaria para impactar en los corazones de sus leales seguidores, no solo de Japón, sino del mundo entero. Todo el disco es cojonudo, con esa mezcla de metal, rock alternativo, con algunos elementos psicodélicos, Groove metal y algo de grunge, pero si debemos destacar algunas rolas están serían: “Ghetto Machine” (demoledora, con riffs filosos y una voz penetrante), la densa “Slave”, “Love and Hate” con esa línea de bajo apoyada por efectos de guitarra psicodélica, “Katmandu Fly” que es un breve instrumental con aires orientales que da paso a la experimental “Hypnotized”, un hard rock alternativo, denso y pesado, con un trabajo diversificado de guitarra. Un disco interesante que no te dejará indiferente.

‘BROWN ALBUM’ – PRIMUS

Lanzado el 18 de julio

Este quinto álbum de estudio es completamente diferente a todo lo realizado antes por el trío liderado por Les CLaypool (bajo y voz), junto a Larry LaLonde (guitarra) y con Bryan “Brain” Mantra, quien sustituyó al gran Tim Alexander. La calidad de grabación es intencionalmente turbia y distorsionada, dando un efecto de interfaz, con los inusuales riffs de bajo de Claypool que resisten la repetición, melodía y los cambios de tempo y tipo musical en cada canción. Acá encontramos hard rock, algunas típicas canciones de vodevil/music hall, algo de jazz y folk, además de alguna provocación ocasional como con “Kalamazoo” que parece un tema de los 40 que se transforma. Lo mejor está en canciones como la hilarante “Chastising of the Renegade” (muy en la onda de “Pork Soda”), “The Return of Shatington Willoughby” con su extraño discurso político y una chula interacción entre el bajo y la guitarra durante los interludios, “Over the Falls” (con unos riffs bastante extraños),“Resting Bones” (que advierte sobre los peligros de consumir anfetaminas), “Camelback cinema” (con gran labor percusiva a cargo de Brain), “Hats Off” (con una guitarra limpia, nítida y el efectivo contrabajo de Claypool) y la frenética y divertida “Coddigtown”. Si bien este disco está lejos de la calidad de sus obras clásicas: “Sailing the seas of cheese” (1991), “Pork Soda” (1993) y “Tales from de Punchbowl” (1995) es un trabajo que sabrán apreciar los amantes del rock en general y, sobre todo, quienes siempre están abiertos para degustar propuestas diferentes, ocurrentes y divertidas como esta.

‘ANTHOLOGY’- DIO

Lanzado el 4 de agosto

Este recopilatorio editado por la compañía The Connoisseur Collection, subsidiaria de Polygram, fue bien recibido por los fans del inmortal Ronnie James Dio, al contener varios de los himnos metaleros que siguen siendo celebrados hasta el presente. Incluye cinco temas del debut  “Holy Diver” (1983): “Holy Diver”, “Rainbow In the Dark”, “Stand up and shout”, “Straight through the Heart” y “Shame on the Night”; cuatro de “The Last in line” (1984): “Last in Line”, “One night in the City”, “We Rock” y “Egypt (the Chains are on”), uno del “Sacred Heart” (1985): “Shoot Shoot”; uno del EP “Intermission” (1986): “Time to Burn” y tres de “Dream Evil” (1987): “All the fools sailed away”,”I Could have been a dreamer”, “Sunset Superman”. Los protagonistas de este selecto menú son Ronnie James Dio (voz y teclados), Vivian Campbell (guitarra), Vinny Appice (batería), Jimmy Bain (bajo), Claude Schnell (teclados) y Graig Goldy (guitarra en los últimos cuatro temas), todos bajo la producción del mismo Ronnie, quien no quedó satisfecho, pues quedaron fuera “King of Rock and Roll”, “Hungry for Heaven” y “Like the Beat of a Heart”, pertenecientes a “Sacred Heart”, al parecer porque sobrepasaría el tiempo adecuado para la impresión de los vinilos. En febrero de 2001, se lanzaría una segunda parte de esta Antología.

‘EL COMIENZO’ – LUZBEL

Lanzado el10 de octubre

Este disco sui generis finalmente vio la luz en 1997 a través de discos y cintas Denver, uniendo algunos tracks grabados en 1981 por Raúl Greñas (guitarra) en Inglaterra con el grupo Red (Greñas y Paul Barnard en guitarras, Paul Red en voz, Paul The Boss en bajo y Graham en batería), del cual formó parte durante su incursión en el Reino Unido, con material del primer demo grabado por Luzbel entre 1982 y 1983. En esta formación participaron además del virtuoso guitarrista, Jorge Cabrera en voz, Antonio “La Rana” Morante en bajo, Fernando Landeros en segunda guitarra y Hugo Tames en batería. El material fue olvidado cuando ingresaron a la banda Sergio López en batería y Arturo Huizar en voz, dando espacio a nuevos temas, por lo que debimos esperar 14 años para escucharlo, tras que el productor David Guerrero realizara un discreta remezcla para tratar de conseguir un mejor sonido. Los tres primeros “Father’s Song”, “Time to Go” y “Red” presentan la influencia de la Nueva Ola de Metal británico de aquellos años, en estructura y sonido, con buenos solos que indicaban la buena ruta que emprendía Raúl. Lo más destacado está en “Holocausto”, que inicia con un efectivo punteo de bajo a cargo de la Rana, “12:00 P.M.” que es un hard rock melódico, “Dead spirit”, rola cantada en inglés que cuenta con atractivos cambios, “Llantos y murmullos” otro hard melódico con buenas percusiones; “Whisper of Death” es de las más logradas, con su base heavy y el mejor solo del disco; también el cierre con la instrumental “Irlanda”. Lo mejor son los riffs y solos de Raúl Greñas y la base rítmica, pues la voz de Jorge Cabrera resulta demasiado modesta para complementar tan buena música.

RICARDO PAT

riczeppelin@gmail.com

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